Entrevista a Abbie Conant

Martes, 31 de Enero de 2012 00:00

Nombre: ABBIE CONANT Ocupación actual: Profesora de trombón en la Staatliche Hochschule für Musik en Trossingen, Alemania Solista y pedagoga internacional Más información: www.osborne-conant.com Abbie Conant es una trombonista de gran talento y versatilidad, y un ser humano de inmensa fuerza y creatividad. Cuenta con la confianza suficiente para tomar su propio camino a través del inmenso bosque de la creatividad, y junto con su esposo William Osborne, están creando una nueva expresión musical a través de la unión de la técnica clásica, el trombón, multimedia y la electrónica, la mitología, el teatro y la energía pura. Si todo lo que sabe acerca de Abbie Conant es sobre su experiencia con la Orquesta Filarmónica de Munich, considere tomar unos minutos de su tiempo para aprender sobre el otro 99% de esta gran músico. Si usted tiene la oportunidad, asegúrese de escucharla tocar, hablar y enseñar. Nunca volverá a mirar su trombón de la misma manera. ¿Recuerda el momento cuando descubrió que la música era importante para usted? Mi madre comenzó a tomar clases de piano en la escuela nocturna, cuando yo tenía cinco años. Interpretaba "Claire de Lune" de Debussy. Cuando llegó a la sección rápida de arpegios, después de la introducción, mi cuerpo se sintió superado por la belleza de la música, me sentí feliz de estar allí y lloré al estar tan profundamente conmovida. Cuéntenos sobre sus inicios en el trombón. ¿Cuándo y dónde empezó a tocarlo? Mi padre fue trasladado de su puesto de trabajo en los laboratorios de Los Alamos en Nuevo México a un centro fuera de Sacramento, California. Como un químico-físico que trabajaba en el combustible de cohetes durante la "carrera espacial" tuvo que seguir la industria. Toda la familia se trasladó a Santa Fe. Yo tengo tres hermanas mayores y un hermano. Asistí a "Mitchell Junior High School" en Rancho Cordova después de mi último año de séptimo grado en la escuela preparatoria de Santa Fe, la cual no tenía un programa de música. Tenía la intención de ir a la universidad, por lo que escogí la mecanografía como mi única electiva en el segundo semestre de mi octavo grado. Yo no tenía talento para escribir. La chica de al lado no tardó mucho en escribir 60 palabras por minuto sin errores, mientras que yo escribía 25 palabras por minuto con 15 errores. Por miedo a arruinar el promedio de mis notas y por lo tanto "dañar mis posibilidades para ir a la universidad", me di cuenta que tenía que salirme. La única otra electiva ofrecida en este tiempo era la banda. En la clase de ciencias, nos sentamos tres en una mesa y al otro lado de mí estaba sentado un trombonista. A mi izquierda se sentaba el mariscal de campo y el 1er trombonista de la banda, y a mi derecha, el defensa estrella y 3er trombón. Ellos se enteraron que yo estaba pensando en entrar a la banda, y tendría que elegir un instrumento. Hicieron buena campaña a favor del trombón, aunque yo sentía que había intercambio de algunos guiños a mi espalda y, posiblemente, tendrían una apuesta a este respecto. En otras palabras, creo que me estaban tomando el pelo. Sin embargo, estaba intrigada con la idea y de pronto recordé aquel verano nefasto después del tercer grado, en el que de alguna manera terminé en un programa de la banda de verano, con una flauta pegada en mis manos y un poco despistada. Me hicieron sentarme en el medio de la banda, con todos los ojos de los compañeros sobre mi, con un hombre colérico con forma de pera y con los labios como dos capas de hígado, agitando su batuta hacia nosotros como un matamoscas. Después de haber recibido su instrucción, se quedó mirando las notas que tenía que tocar de la manera que fuera en este "salami mecánico niquelado" que tenía en la mano. Salí abatida, el director estaba enojado, profundamente frustrado (¡era un flautista profesional!). Me gritó por no ser capaz de producir un sonido en esta cosa. Después de un ¡alto! me ordenó ir a la escalera y practicar hasta que me pudieran sonar las dos notas que estábamos trabajando. Estaba oscuro allí, yo estaba aterrorizada. Trataba frenéticamente de producir un sonido y no tenía éxito, no me atrevía a volver a mi silla. Finalmente alguien vino y me hizo comenzar todo de nuevo. Me enviaron de vuelta varias veces a "practicar" en el hueco de la escalera, hasta que lloraba de miedo y humillación. En un momento miré hacia atrás y vi a un trombonista solitario, pero muy sereno, buscando su sitio en la fila de atrás y pensé que el instrumento parecía muy misterioso y elegante. En cuanto a mi terror por la flauta, alguien le informó a mi madre lo que estaba pasando y le pidió a un alumno de cuarto grado que me diera una lección privada. La niña era mayor y de una manera muy eficiente me explicó cómo hacer sonar a la flauta y cómo leer partituras con sus digitaciones. ¡Dios bendiga a Dolores Ayala! Llegué cojeando hasta el 6º grado como una flautista sin talento. ¡Que día mas feliz!. Así que en la secundaria, cuando mis compañeros de mesa estaban picándome con el trombón, me dije, ¿por qué no? El único trombón que quedaba, era un Olds Ambassador, en el que la laca restante parecía un mapa de Micronesia. Yo tenía una respiración muy mala para el trombón. Aún así, estaba enamorada. Rápidamente me lo puse y produje un medio agradable si bemol. De alguna manera yo sabía cómo hacerlo. Durante cincuenta minutos al día, nosotros los principiantes elegíamos un rincón en la sala de la banda y practicábamos nuestros libros y métodos. Una vez al día el director de la banda venía alrededor y escuchaba nuestros estudios y los aprobaba o no. No obtuve enseñanzas, pero sí nos dio algo de aliento. Después de un semestre me asignaron el primer trombón de la banda, con un gran disgusto de mis colegas trombonistas/futbolistas. Aquellos que estén familiarizados con su carrera, y en particular tengan experiencias con los prejuicios de género, racial o cualquier otro en esta profesión musical, saben que se necesita una gran cantidad de trabajo duro, de dolor y mucha dedicación, para convertirse en un músico profesional. ¿Cuál es la recompensa? ¿Que hace que todo valga la pena para usted? De vez en cuando me conmueven las personas y sus lágrimas al punto que me brotan las lágrimas en el escenario. Es como si yo desapareciera por un tiempo y la música tomara el control. ¡Ésto a veces es muy embarazoso! Cuando la gente realmente siente lo que estoy tratando de expresar y sentirles transformados por esto, es una experiencia espiritual para ambos. Una validación profunda de que el camino que he elegido, por muy extraño y difícil que parezca, es el más adecuado para mí. Cuando a las personas se les pregunta sobre sus "logros" pasados, se suministra normalmente la lista de éxitos. Sin embargo, se aprende mucho más al insistir con aquellas cosas que inicialmente no tuvieron éxito hasta que lo tengan. ¿Cuáles han sido algunas de sus experiencias de aprendizaje más grandes? ¿Las cosas que han dado el salto y en las cuáles tuvo que trabajar mas duro? Oh, sí. Mi marido, el compositor William Osborne, escribió una larga pieza de teatro musical de 45 minutos (¡es en realidad una pequeña ópera!) para una actriz y trombonista/soprano. Tuve que aprender a cantar a nivel profesional, así como actuar. Para alguien que casi no puede hablar, que es tímido por naturaleza ¡se trata de una especie de milagro! Por medio de la técnica Alexander, un excelente y paciente profesor vocal y un montón de fracasos dolorosos, aprendí a cantar. Una de las batallas más importantes de mi maestro de canto fue tratar de conseguir que ¡dejase de formar la embocadura cuando cantaba! En la pieza tenía que cambiar de tocar pasajes técnicos rápidos a cantar o hablar en una milésima de segundo; era en verdad muy difícil para mí. Hacía dos tipos diferentes de apoyo en la respiración, así como intercambiar las mitades del cerebro. Me las arreglé para el estreno de la obra, con un éxito rotundo en Roma. Era inmensamente gratificante que el público asumía que yo era una cantante profesional y una buena trombonista. El entendimiento visceral y profundo de la línea, el legato y el sonido que uno gana a través de la formación vocal es oro puro. Animo a todos mis alumnos a estudiar canto y la técnica Alexander. Por suerte, tenemos un trombonista profesional de primera clase y profesor de técnica Alexander en nuestra escuela. ¿Qué es más difícil para usted como trombonista, los aspectos mentales de hacer música o los aspectos físicos? Va y viene. Cuando tengo una pieza muy clara y la he preparado lo suficiente, rara vez tengo problemas físicos. Si he entendido bien la pieza y tengo gran afinidad por ella, los aspectos técnicos se hacen mucho más fáciles. Uno encuentra siempre una manera de resolver las dificultades si hay suficiente amor, supongo. Es necesario hacer música a pesar y con sus debilidades, así como con sus puntos fuertes. La intensidad no es necesariamente una dinámica, tal como fortíssimo, o una especie de ensañamiento y energía física. Creamos intensidad al igual que un actor la crea, a través de un clima emocional interior y saber que venimos de ese lugar y tener fe en que todo lo que hacemos en nuestro instrumento ayudará a desvelar este mundo interior. Tenemos la sensación de los pensamientos y las intenciones de un artista, que son "más fuertes" que el propio sonido. Ahora que lo pienso, la música no es realmente el sonido. El sonido es sólo un aspecto de ella. Pero ésto ya es entrar en el jardín donde puedo hacer mi casa. Siempre estoy nerviosa antes y mientras estoy tocando, pero ya no veo esto como algo negativo. La música requiere energías especiales y a veces sutiles. Como músicos, estamos "programados" para la música, así que tenemos que esperar que fluirá a través de nosotros. Si bloqueamos el flujo, nos sentiremos terribles y asustados. Tenemos que permitirnos ser el cauce para estas energías especiales. Siempre me consuela saber que incluso la gran soprano coloratura Lily Pons vomitaba antes de cada actuación, al igual que Jasha Heifetz. Rudolf Nureyev tenía una pelea justo antes de salir al escenario, pues estaba convencido de que la ira centraba sus energías y lo hacía bailar mejor. La técnica Alexander ha sido de gran ayuda para mí en los últimos años, así como el yoga y hacer ejercicio en general. Yo evito el café, el azúcar y la falta de sueño tanto como sea posible. Tono, afinación, articulación. ¿Cuál es absolutamente primero y cómo puede un profesor utilizarlo para construir las otras dos? El tono y la afinación son aspectos de la misma cosa. El instrumento simplemente no va a vibrar de forma óptima si la vara no está en el lugar correcto, por lo tanto el sonido no será rico y completo. Si el sonido es un poco aburrido o difuso, es probable que no se esté corrigiendo la afinación con la vara, sino que en realidad se este haciendo con el labio "lipping". El aspecto positivo de esto, es que significa que se tiene un buen oído. El aspecto negativo es que un "lipping" constante, que es a veces muy sutil, puede afectar la resistencia y el sonido. Nunca se debe tratar de complacer al afinador, jugando con él y conseguir que la aguja se quede en el medio. Se debe mirar hacia otro lado, soplar libremente y cuando se piense que se está en sintonía con el afinador, se hace glissando arriba y abajo de la nota en cuestión (¡los instrumentistas de cuerda lo hacen todo el tiempo!). Se escuchará como se abren el centro del trombón, y a continuación se busca el afinador. Pero me estoy adelantando a mí misma: ésto es dar por sentado que uno tiene un sonido en la mente o un sonido para tratar de imitar en el mundo real, por ejemplo un maestro o artista favorito. Practicar con la boquilla funciona de maravilla. Un principio muy útil es el descubrimiento de que hemos nacido como “inhaladores" naturales o “exhaladores" naturales. El tipo de persona que es “inhalador" tiene menos aire "estático o residual" en los pulmones. Ellos tienden a inflar y expandir más para llenarse totalmente. El área más capaz de expandirse es la superior del pecho. Ellos tienden a dormir boca arriba o por lo menos sobre sus espaldas para que la parte superior del pecho esté libre para expandirse. El tipo de personas que "exhala", por el contrario, tienen menos aire "residual" en los pulmones y se expanden más en los flancos, en la mitad de la espalda. Tienden a quedarse dormidos de lado y duermen boca abajo para liberar la expansión de la parte posterior de las costillas. Tienden a ser un barril, poco pecho y no parece que necesitaran respirar. No se ve mucho movimiento al respirar, mientras que en un "inhalador" realmente se expande y llena el depósito completamente. Menciono esto porque si usted es un maestro que “inhala” y enseña a sus alumnos a respirar como usted, los que “exhalan” van a sufrir. Llenar el tanque como lo hacen los que “inhalan” hace que los que se llenan de la otra manera se sientan tensos e incomodos. En lo que debe centrarse es en utilizar gran cantidad de ese aire y soplar. Luego, al vaciarse, se necesita aprender instantaneamente a relajar todos los músculos de la respiración y dejar que el aire entre de nuevo en el vacío que queda. Una persona "exhaladora” debe, por otro lado, concentrarse en llenar relajadamente y dejar que el volumen de aire en los pulmones haga el trabajo. Debe también tener mucho cuidado de nunca empujar o forzar el aire. He notado que los que “inhalan” tienden a tener más blando o redondo su sonido, sonidos más puros (si no se fuerza el aire), mientras que los que “exhalan” tienen sonidos mas cálidos, pero tenemos que trabajar en aclarar siempre nuestros sonidos. En resumen, para la eficiencia de los que “inhalan” la aspiración libre y profunda son las claves, mientras que para los que “exalan” la clave es usar un montón de aire, soplando libremente tanto como sea posible. Simplemente se debe dejar que el aire entre en los pulmones y no crear nunca isométricos, tratando de acumular más y más aire dentro. Dicho de otra manera, en el caso de los que “inhalan” se debe pensar en respiración activa y exhalación pasiva. Deben comenzar sus ejercicios de respiración con la inhalación y la expansión de la capacidad de manera relajada. Los que “exhalan” deben pensar en inhalar activamente y soplar pasivamente. Deben comenzar sus ejercicios de respiración soplando con todo su aire, simplemente dejarlo salir. Obviamente, utilizamos todas las áreas de los pulmones para tocar, pero el principio simple de entender que hay dos tipos de “respiradores” puede ahorrarnos mucho tiempo y frustración. En cuanto a la articulación, está en relación directa con la producción de sonido y el cómo soplar. Una vez que el aire libre se estabiliza, viene la idea de que la lengua es un efecto del flujo de aire y no un iniciador, ésto es de más fácil comprensión. Algunos de sus profesores han sido: Karl Hinterbichler, M. Dee Stewart, Per Brevig, Tragar John, Branimir Slokar, y Globokar Vinko. ¿Qué ha aprendido de cada uno de ellos, y cuál ha sido el mensaje constante (o mensajes) que ha recogido de todos ellos? ¡Te voy a tener que escribir un libro! (risas). Karl Hinterbichler: Fue el primer maestro que me dijo que tenía talento y que podría llegar a ser una una profesional. Él me cubrió de técnica durante mi primer año en la Universidad de Nuevo México y luego me instó a salir de mi condición de "pez grande en un estanque pequeño" (cosa que me sentó tan bien después de todas las superestrellas en Interlochen Arts Academy) y a estudiar con un profesor de una orquesta sinfónica importante. Fue un maestro inteligente, brillante, dedicado, divertido y un super trombonista. Él me presentó la música contemporánea. Me sentí respetada y tomada en serio por él. Dee Stewart: Él me enseñó los fundamentos en que se basa toda mi carrera. Mi primera lección en el sótano de su casa fue toda una rebelación y cada lección posterior se basaba en variaciones constantes sobre el mismo tema. En pocas palabras: cultivar un gran sonido vibrante por medio de la comprensión de la diferencia entre la velocidad y la presión del aire. Todo lo que tocas, debe ser el resultado de un impulso musical y no sólo un ejercicio. Él me enseñó a tomar audiciones y la importancia del registro grave (me dio la Serenata para tuba de Persichetti para trabajar). Era muy realista sobre la eficiencia del estudio diario. “Si no se puede hacer en una hora y media, entonces probablemente no va a suceder”. “Déjalo para el día siguiente, cuando estés fresco y comprometido mentalmente”. Este consejo me ayudó a través de mi carga completa en Temple University y un trabajo a tiempo parcial que tenía en una pequeña fábrica en el centro de Filadelfia. Además, ¡él era tan tranquilo! Eso me ayudó mucho. Por Brevig: Él era muy exigente y analítico. Hizo mucho hincapié en mi técnica y eso fue justo lo que necesitaba y quería en ese momento. Él me ayudó a mejorar mis habilidades con la afinación. Era famoso por tocar los muy difíciles ritmos de la secuencias Blahzevich. Me sugirió trabajar en la parábola para trombón de Persichetti que acababa Per de estrenar en un ITF, y no había sido publicada aún, así que tenía que hacer el estreno en Nueva York con Persichetti en el público. Per fue un trombonista fantástico y tenía una musicalidad increíble. Nunca olvidaré su sonido enorme, sorprendente y totalmente musical que hacía tocando su viejo 79H en el Met. John Swallow: Él fue mi mentor en el trombón. Lo tuve como profesor de música de cámara en los veranos y probablemente tuve tantas dosis de su enseñanza como los muchos estudiantes regulares que tenía en la gran cantidad de instituciones donde enseñaba. El era conocido por ser controvertido y obstinado. Para mí él tenía mucho sentido, ya que contaba con muy buenas razones y años de experiencia profesional para apoyar sus ideas. Lo creas o no, el uso de ligados naturales (sin lengua o flexibilidad) era prácticamente un pecado en algunos sectores. Llevar la música de cámara de metales en serio como una forma de arte era nuevo y él fue uno de los pioneros más importantes, siendo miembro fundador del Quinteto de Metales de Nueva York y el Grupo de Cámara Contemporánea de Arthur Weissberg. Ha encargado también un montón de música. Me encantaban sus diatribas acerca de la arrogancia, pretensión y el esnobismo dirigido hacia los musicos del metal por ciertos músicos elitistas de las cuerdas y ultra concervadoras damas de pelo azul, patronas de las artes. Estaba loco por la música de cámara y ésto era muy contagioso. Yo también estaba muy impresionada con su elocuencia, su talento para la psicología y su inclinación filosófica. Él es genuino, humilde, un irónico ser humano, así como un gran contador de anécdotas. Vinko Globokar: era una persona un tanto tenebrosa, pero a su vez amable conmigo. Tenebrosa en el sentido de que era un trombonista y compositor de música moderna, extremo y real; amable, en el sentido de que realmente se preocupaba por uno. Me mostró la importancia de hacer una articulación clara, en lugar de tocar todo vago y tenuto/legato. Yo aún le saco mucho partido a esta idea. Sus conceptos sobre la respiración y la producción de sonido eran y siguen siendo profundos misterios para mí. Mis observaciones en el momento fueron algo como ésto: Éste tipo está construido como una letrina de ladrillos, tiene una energía ilimitada, fuma cigarros, bebidas, etc, por lo que probablemente no debo tratar de imitar su forma de producir sonidos. Le oí innumerables veces hacer la Sequenza V de Berio y la trabajamos con él. Me pareció una persona sin sentido del humor y conscientemente "objetiva", a menudo era un modernista e incluso un post-modernista afectado por el rigor. No se ajustaba a la maravillosa música italiana, en mi opinión. Necesitaba más Fellini, más claroscuro, más profundidad y humor. Nunca pude entender la estética musical de Vinko, aunque lo he intentado mucho. Creo que su generación se rebelaba y reaccionaba en contra de algo que mi generación ya había puesto a descansar o al menos trasladado a otro lugar. Desde entonces, ha desarrollado un gran sentido del humor musical y me identifico con algunas de sus obras posteriores. Él es un trombonista fantástico y una gran inspiración para muchos trombonistas jóvenes que están en el mundo de la improvisación y la música moderna. Branimir Slokar: La primera vez que escuché una grabación de Branimir tocando, estaba fascinada por la vitalidad absoluta de su sonido. Podía tomar este sonido ya que no era el sonido "ideal" de los trombones norteamericanos o británicos y aún así escuchar la clara y alegre intención musical en el mismo. ¡Guau, un solista de trombón que no sonaba como un musico de orquesta! Yo estudié con él en la Escuela Superior de Música de Colonia, donde se había hecho cargo del curso después de Globokar. Branimir tenía un estilo de enseñanza muy bien pensado. Era una mezcla del Conservatorio de París, James Stamp, Penzel Erik (el famoso pedagogo alemán del corno) y sus propias cosas. Además de que era un maestro natural. Su energía, vitalidad y entusiasmo por la música nos contagió a todos nosotros y nos motivó a trabajar duro. He aprendido más sobre cómo mezclar cada una de mis frases musicales con la vida, la dirección y la energía. Él me ayudó a formar una identidad como solista y me dijo que era buena, en un momento crucial en mi vida, ¡cuando parecía que todo el mundo me estaba dando a entender lo contrario! Estoy eternamente agradecida por ello. Cada uno de los profesores mencionados contribuyeron en gran medida a mi conocimiento del trombón y me dieron nuevas ideas y enfoques para tocar y pensar en mí misma como una artista. Crecer cuando lo hice, que te tomaran en serio siendo una mujer joven no era la regla, sino la excepción. Todavía lucho con ésto. Creo que todos tenemos un tesoro dentro para compartir con otros a través de nuestra música. Ir mucho más allá de los límites del endeble ego es importante para reconstruir el mundo en un mundo más humano, un lugar que mejore la vida, un sitio lleno paz. El sonido que hacemos, es la luz de nuestros corazones. Consideremos ahora el privilegio absoluto que es tener un maestro, una persona que se dedique a ayudar a alcanzar nuestros más altos ideales. ¡Qué regalo! Más acerca de Abbie Conant y sus proyectos musicales en su sitio web: http://www.osborne-conant.org/ Agradecimientos a Giovanni Scarpeta por su traducción al español. El Dr. Richard Human es profesor asistente de Low Brass y Jefe del Área de bronces de Mississippi State University.  artículo publicado en la página: http://www.todotrombon.com/index.php?option=com_content&view=articleid=39%3Aentrevista-a-abbie-conant&catid=14%3Aentrevistas&Itemid=71&limitstart=2